Mirdi an Arzoù-kaer ar c'hovu

Le lauréat dévoilé

Lundi 16 mai, le Maire et son équipe ont dévoilé le lauréat du jury de concours du musée des beaux-arts : l’agence d’architectes espagnole, Nieto Sobejano de renommée internationale, associée à l’architecte vannetais Richard Faure, ainsi qu’au scénographe français Adrien Gardère, qui a réalisé notamment la scénographie du musée du Louvre-Lens.

Un musée pour qui, pour quoi faire ? Autant de questions abordées dans l’exposition Les dessous des musées. Pédagogique, ludique et interactive, elle s’adresse à tous les publics : enfants, adultes, scolaires, vannetaises et vannetais, touristes français ou étrangers... La scénographie met en valeur les collections des deux institutions de la ville de Vannes, le musée des beaux-arts et le musée d’histoire et d’archéologie, actuellement fermé pour rénovation.

Deux musées, deux collections : découvrez comment l’équipe travaille au quotidien et se prépare à vous offrir des œuvres magnifiées dans des bâtiments rénovés. Un musée, même fermé, est une petite ruche où chacun tient son rôle dans la partie immergée de l’iceberg. L’exposition sera évolutive, afin de donner à voir l’avancée des travaux des musées.  

Alors, venez découvrir les musées comme vous ne les avez jamais vus ! 

Marc Didou

Sculpteur originaire du Finistère, partageant son activité entre la Bretagne et la Ligurie, Marc Didou est un artiste pluridisciplinaire. De son intérêt pour la peinture qu’il étudie aux Beaux-Arts, de son apprentissage très jeune de l’acier forgé, de sa pratique du dessin et de la photographie, naissent des œuvres multiformes. Tantôt monumentales et massives, tantôt évanescentes et légères, elles sont toujours motivées par la curiosité de l’expérimentation et le fruit d’une mise à l’épreuve des contraires.
Présenté une première fois en 1995 au musée des beaux-arts, La Cohue, il y revient 30 ans plus tard avec Éloge de la craquelure. Pensée pour le passage central, cette exposition se déroule en trois espaces et trois temps, comme un voyage introspectif à travers la peinture, le dessin et la sculpture. Poésie du visible et de l’imperceptible, du tangible et de l’insaisissable, ses œuvres répondent à la puissance architecturale du site.
 

Vues de l'exposition Eloge de la craquelure, Marc Didou Copyright Direction de la communication - Ville de Vannes
 

Les oeuvres réunies dans la salle haute du musée, parlent des paysages connus et aimés de Geneviève Asse. Les titres Rhuys, Au fil des jours, Cahier océanique, disent la réalité vibrante qui traverse sa peinture depuis un peu plus d’un demi-siècle.

C’est dans le Paris d’après-guerre qu’elle devient une artiste indépendante, rigoureuse et déterminée à s’engager dans une vision esthétique qu’elle partage avec Nicolas de Staël, Viera da Silva, Olivier Debré… Ensemble, ils vont conduire la peinture vers une abstraction sensible.

Le long parcours de Geneviève Asse a fait d’elle un peintre de renommée internationale, dans le monde de l’art et des institutions.

Le premier étage du musée  est consacré à la présentation des œuvres de Geneviève Asse, qui permet au visiteur de découvrir l'importante donation faite par l'artiste au musée.

Acquis par l’État, en 1835, Le Christ sur la croix peint par Eugène Delacroix (1798-1863) rejoint le musée à sa création en juillet 1886 et devient, dès lors, l’oeuvre emblématique de la collection. L’esquisse du larron provenant de l’atelier du peintre, acquise par la ville de Vannes, en 2017, enrichit la présentation consacrée à l’artiste.

Quelques images de la Bretagne, associant paysages romantiques et compositions empreintes de modernité révèlent le talent de maîtres incontestés de la fin du XIX^esiècle et du début du XX^e siècle. Charles Cottet, Flavien Peslin, Henri Moret, Jeanne-Marie Barbey ou Jean Frélaut livrent, entre terre et mer, une vision poétique et ethnographique de la région.

Un bilan sanitaire des cadres des œuvres du musée est actuellement en cours. Un spécialiste nous livre son regard sur ces objets bien souvent minorés. Interview avec Damien Lepage, restaurateur, spécialiste des cadres et dorures et Sophie, régisseuse des œuvres qui encadre ce travail.

Portail des collections 

.

Du 8 mars au 5 janvier 2025

Le travail créatif de Salomé Fauc l’engage tout entière, corps et esprit entraînés dans l'acte artistique. Adepte des grandes installations, elle ne fait qu'un avec son support : le papier. La jeune artiste travaille au pinceau ou au doigt, penchée, assise, allongée pour mieux appliquer l’encre de Chine noire ou colorée, rehaussée par endroits à la feuille d’or. Les lés verticaux, ornés de motifs végétaux décoratifs, laissent filtrer la lumière, tels des vitraux. Le paysage ainsi dessiné se déploie dans le passage du sol au plafond, sous une forme décorative pleinement assumée et revendiquée par l’artiste. Le bleu domine, évocation subtile du travail de Geneviève Asse. Ici, tout est transparence, se devine ou s’effleure. Les arabesques florales, à la manière du lierre, couvrent l’espace et les murs selon d’innombrables variations propices à la contemplation.

Du 20 avril au 30 septembre 2024

Peintre, dessinateur, sculpteur, Jean Mingam après avoir été formé à l’école des beaux-arts de Rennes, exerce en début de carrière dans le Finistère et le Morbihan avant de s’installer définitivement à Nantes. Sa production singulière conjugue diverses influences artistiques de la fin du XIXème et du début du XXème siècle. Il exalte la couleur en se souvenant des principes de l’École de Pont-Aven et des Fauves, il travaille les formes nourries par le cubisme et l’abstraction. Au cœur de ses thématiques, il traite la figure humaine en portrait, en masque, s’essaie quelque peu au paysage et se laisse inspirer par la musique. Une partie de son travail relève de l’art sacré qu’il développe tant en peinture qu’en sculpture ou en création de cartons pour des projets de vitraux.

^{Mariano Otero, Marie-Alice au chapeau rouge, 2005, pastel sur papier © Musées de Vannes.}

Du 27 mai au 21 janvier 2024

Maîtrisant le dessin - et notamment le pastel – avec une technique parfaite, Mariano Otero travaillait quotidiennement dans son atelier, son autre lieu de vie.

Ancien élève de l’École des beaux-arts de Rennes, l’artiste s’est notamment fait connaître pour ses séries dites des Baigneuses et des Tangos ou encore par ses affiches et ses portraits. Ses œuvres révèlent une tendresse pour celles et ceux qui l’entourent, une forme d’humour certaine, ainsi qu’un sens aigu de l’observation. Elles sont aussi le reflet de sa double culture : l’Espagne, quittée dans un climat politique menaçant, la France où il passera toute sa vie à compter de ses quatorze ans. Homme discret et facétieux, fortement engagé, Mariano Otero avait le pouvoir de l’art, celui du trait et du crayon.

L’exposition retrace pour la première fois dans un musée, le parcours de ce grand artiste, dans une scénographie sensible et immersive.

Animations autour de l'exposition

Pendant toute sa durée au musée, des animations, en rapport avec l'artiste ou son travail, viennent illustrer ou compléter l'exposition. En voici quelques exemples:

ci dessus: concert “Dos para un Tango” et de la danse flamenco “La grâce du geste” par la danseuse et chorégraphe Felisa Jimenez.

Retrouvez la programmation autour de l’exposition sur les pages agenda.

Du 1^er avril au 7 janvier 2024

Les deux artistes nantais Nicolas Barreau et Jules Charbonnet créent pour le passage central du musée des beaux-arts un parcours ponctué de deux tours de cinq mètres de hauteur, fabriquées avec de la vase extraite dans le golfe du Morbihan. Ils utilisent la plasticité de cette matière première du territoire environnant pour la travailler, la former et la modeler en plus d’un millier de briques et près de 600 « bardeaux ».
Leur réflexion porte sur l’architecture et sur l’usage des techniques traditionnelles revues dans une vision contemporaine. Fruit d’expérimentations manuelles, leur proposition vise à transformer l’espace au moyen de ressources locales. Ce projet-symbole, utopie poétique, témoigne des enjeux de l’architecture actuelle face
à son environnement.

Retrouvez l’exposition

• Du 1^er avril au 30 juin, de 13h30 à 18h musée ouvert du mardi au dimanche inclus sauf jours fériés / fermeture hebdomadaire le lundi.
• Du 1^er juillet au 31 août, ouvert tous les jours de 10h à 18h.
• Du 1er septembre au 31 décembre, de 13h30 à 18h musée ouvert du mardi au dimanche inclus sauf jours fériés / fermeture hebdomadaire le lundi.

Du 19 novembre 2022 au 12 mars 2023

Pour la première fois, les deux artistes - qui partagent leur vie depuis leur rencontre à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris en 1977- exposent ensemble. Si le thème du paysage les réunit, il est cependant traité différemment. Corinne Véret-Collin dessine et crée des volumes en jouant avec l’idée du fil conducteur et des ombres. Son paysage est intérieur. Ses scènes, souvent en trois dimensions, sont des véritables invitations aux voyages imaginaires. Pierre Collin traite les paysages environnants comme un récit qu’il décline au fil des jours en observant la course du soleil. La mer est omniprésente ; l’horizon immense. Gravures, peintures, sculptures, invitent chacun de nous dans ce voyage artistique dont l’aboutissement est une œuvre réalisée à quatre mains.

Retrouvez l’exposition

• Du 19 novembre au 12 mars, de 13h30 à 18h musée ouvert du mardi au dimanche inclus sauf jours fériés / fermeture hebdomadaire le lundi.

L'exposition Orée par Thomas Daveluy et Guillaume Lepoix au coeur du passage central du musée des beaux-arts La Cohue,.

Descriptif

L'exposition propose une approche sensible autour de la notion de paysage et la représentation du réel. À cheval entre art, science et technologies, les deux artistes, Thomas Daveluy et Guillaume Lepoix, construisent un ensemble de trois œuvres où la technologie numérique leur sert de moyen de reproduction du paysage, tout en interrogeant notre manière de percevoir le tangible. Conçue pour le passage central du musée des beaux-arts, l'installation se veut immersive et contextuelle : ce lieu si particulier et riche en Histoire interroge la manière de représenter le monde à travers les époques. Les deux artistes creusent l'image pour en extraire sa matière constitutive (textures, pixels, couleurs) et la livrer sous forme brute, comme des reliques d'un monde caché au sein des images numériques.

Retrouvez l’exposition en accès libre

• Saison estivale : Musée ouvert tous les jours y compris les jours fériés, du 1er juin au 30 septembre de 13h30 à 18h.
• Hors saison :
  Du 1er octobre au 31 mai, de 13h30 à 18h musée ouvert du mardi au dimanche inclus sauf jours fériés / fermeture hebdomadaire le lundi.

Du 30 avril au 2 octobre 2022

Paysagiste de renom, René Seyssaud est principalement rattaché à la Provence, sa région de cœur et de vie. Remarqué dès 1900 par la critique parisienne pour son usage particulier et intense de la couleur, il peint d’après nature tout au long de sa carrière, les lieux qu’il habite et qu’il découvre. L’exposition retrace ce parcours singulier et présente pour la première fois, le voyage de René Seyssaud, invité en 1910 à se rendre en Bretagne. Douze huiles sur toile sont les témoins précieux d’une résidence passée à Plougasnou, dans le Finistère Nord. La sensibilité du peintre s’y affirme d’une manière complètement différente : sa palette s’adapte aux variations de l’atmosphère si particulières de la Bretagne.

À l’écart de toutes les écoles, loin de l’impressionnisme qu’il rejette, l’approche de l’œuvre de René Seyssaud révèle un artiste fidèle à la figuration, farouchement indépendant dans sa recherche picturale.